Уолт Дисней: человек, подаривший мечту

Walt Disney Time

1920-ый год. Молодой, никому не известный парень по имени Уолтер Элиас Дисней, устраивается художником в студию рекламы в Канзас-сити. И, хотя это была четвертая попытка устояться на месте, что-то заставляло Уолтера не сдаваться и искать работу в художественной сфере. К этому моменту Дисней уже имел некоторый опыт художника: несмотря на свою первую неудачу в газете «Star» он, вскоре, устроился на работу в «Pesmen-Rubin Art Studio» — маленькую рекламную мастерскую, где Уолт оформлял реламы для газет и журналов. В этой студии Дисней встречает своего будущего друга и напарника Юба Айверкса. Вскоре, Диснея и Айверкса увольняют, но, недолго думая, приятели решают основать свою собственную фирму: «Iwerks-Disney Commercial Artists». Фирма занималась созданием предметов для художественного оформления и продавала эти предметы торговым фирмам. Таким образом, «Iwerks-Disney Commercial Artists» достигает некоторого успеха. Но, наступает 1920-ый год и мы возвращаемся к началу: в Диснее просыпается внутренний голос, призывающий рисовать, и он, оставив фирму другу, устраивается на работу художником в рекламную компанию.

«Iwerks-Disney Commercial Artists» просуществовала на плечах Юба Айверкса недолго: вскоре фирма разоряется и Айверкс устраивается туда-же, куда и Дисней.

Walt and Ubb
Юб Айверкс и Уолт Дисней

Работа в рекламной компании — эпизод, который определил всю дальнейшую жизнь Уолта Диснея. Именно здесь он ясно понимает, что хочет заниматься мультипликацией и именно здесь он обучается этому искусству. К тому же, здесь Дисней активно проявляет присущее ему творческое и нестандартное видение мира: он предлагает новаторскую идею рисовать на листах целлулоида и накладывать их на друг друга. Эта идея казалась революционной на фоне старой техники создания анимации: монтированной съемки спичек или бумажных фигурок, передвигаемых в таком порядке, чтобы они складывались в неуклюжих зверей и в слова. Однако, Диснея — тогда еще никем не уважаемого юношу, слушать не стали. Уолт, поняв, что таким образом он для компании ничего сделать не сможет, решает заняться своими идеями сам. Поэтому, он забирает старый, ненужный компании фотоаппарат и, в свободной от работы время, делает с его помощью свои первые (пока еще рекламные) экспериментальные мультфильмы, серию которых он назвал «Laugh-O-Gram», в переводе «Смехограмма». Мультфильмы Диснея отличались качественностью съемки (благодаря постоянным экспериментам Уолта со светом, постановкой и самими рисунками) и живостью, поскольку творения Диснея получались остроумными и яркими.

"Опенинг" "Newman Laugh-O-Grams". Нарисованный мультипликатор - автопортрет самого Диснея
«Опенинг» «Newman Laugh-O-Grams». Нарисованный мультипликатор — автопортрет самого Диснея

Основным клиентом Диснея был владелец кинотеатра Фрэнк Ньюман, для которого Дисней создавал серию мультфильмов под названием «Newman Laugh-O-Grams». Ниже пилотный выпуск этой серии под названием «Cleaning Up?!!»

Первые три эпизода были именно такими: показывали рисующего (позже, с появлением звука в кино, под рэгтайм) Диснея.

Серия «Newman Laugh-O-Grams» становится очень популярной: на Диснея валятся заказы, работы становится очень много, времени мало. Поэтому, Уолт уходит из рекламной компании и создает свою собственную «Laugh-O-Gram Studio». На эту студию он нанимает работников —  в основном своих друзей (в том числе Айверкса), За свое существование, студия успела выпустить семь мультфильмов, которые сильно влияют на все последующее творчество Диснея. Они все были своеобразной интерпретацией старых сказок. Серия называлась просто «Laugh-O-Grams».

Первая, еще «додиснеевская», в переносном смысле этого слова, «Золушка».

Здесь Дисней уже приобретает свой индивидуальный стиль рисования, который он будет использовать вплоть до своих полнометражных мультфильмов.

Конечно, для 1922-ого года такие мультики были очень хороши (чего только стоит сцена раздачи почты собакой из «Золушки»), однако, затраты студии все равно не окупаются и, вскоре, она разоряется. Банкротство Диснея усугубило также то, что у него были достаточно серьезные конкуренты в деле мультипликации — в первую очередь Макс Флейшер (аниматор, который в 30-х создал популярнейшего персонажа Бетти Буп). Но отважный Уолт, немного поработав оператором для киножурналов, отправляется в, расцветавший тогда, Голливуд, где женится на девушке по имени Лилиан и начинает работать со своим братом Роем.

Уолт и Лилиан Дисней
Уолт и Лилиан Дисней

В Голливуде, дело жизни Уолта Диснея спасает девочка Алиса, созданная английским автором Льюисом Кэрроллом и являющаяся главной героиней его сказок «Алиса в стране чудес» и «Алиса в Зазеркалье». Именно Алиса стала связующим звеном между Laugh-O-Gram (анимационный фильм про Алису был последним выпуском студии) и первым действительно крупным успехом Уолта — серией мультфильмов про кролика Освальда.

Льюис Кэрролл - автор "Алисы в стране чудес" и "Алисы в Зазеркалье".
Льюис Кэрролл — автор «Алисы в стране чудес» и «Алисы в Зазеркалье».

Все началось со свойственной Диснею тяге к своеобразной интерпретации сказок, которую он ярко продемонстрировал за время существования «Laugh-O-Gram Studio». Наблюдая за разорением студии, Дисней делает последний рывок, подчинившись модным тенденциям в мире мультипликации — смешению рисунков с реальностью. Так и появляется «Алиса в стране чудес» — фильм с реальной девочкой-актрисой, которая путешествует в мире рисованной анимации. Именно этот анимационный фильм братья Дисней считали своим клондайком и не ошиблись, ведь вскоре нашлась девушка-дистрибютор из Нью-Йорка по имени Маргарет Винклер, которая заплатила за пилотный выпуск серии 1500$ и заказала еще около дюжины подобных фильмов. Братья Дисней основывают свою компанию «Disney Brothers Cartoon Studio», распределяют обязанности (Рой должен был снимать «реальный» фильм, а Уолт рисовать к нему анимацию) и начинают работать над серией, получившей название «Alice Comedies». Несмотря на замену оператора, а может и отчасти благодаря ей (Рой по разным причинам не справлялся с обязанностями и вскоре перешел на содержательную роль), серия приобретает успех, таким образом принеся авторам деньги, славу, опыт и изрядно развив их фантазию, ведь уже со второй серии братьям Дисней пришлось самим придумывать приключения Алисе.

Этот анимационный фильм примечателен тем, что здесь появляется самый старый диснеевский персонаж, не потерявший свою актуальность до сих пор — большой толстый кот-бандит Пит, здесь, правда, в образе медведя.

Таким образом, анимационные фильмы про Алису благополучно выпускались «Disney Brothers Cartoon Studio», а с 1926 года «Walt Disney Studio», вплоть до потери популярности серии в 1927-ом году.

Несмотря на то, что серия анимационных фильмов про Алису со временем ушла в прошлое, Дисней, подарив своей студии стойкое название и сам приобрел стойкость, популярность и некоторую мощь. «Walt Disney Studio» же давно перестала держаться на двух братьях и теперь в ней работали различные мастера и, по скольку Уолт не изменял старым привычкам, и знакомые аниматоров, среди которых был и Юб Айверкс.

Команда "Walt Disney Studio". Здесь можно разглядеть Юба Айверкса и Уолта Диснея, держащих Луис Хардвик - четвертую и последнюю девочку, сыгравшей Алису. Средний снизу - Рой Дисней.
Команда «Walt Disney Studio». Здесь можно разглядеть Юба Айверкса и Уолта Диснея, держащих Луис Хардвик — четвертую и последнюю девочку, сыгравшей Алису. Средний снизу — Рой Дисней.

Таким образом, спад популярности одной идеи не разрушило все, что создавал Дисней, так как это было раньше, теперь это давало повод придумать другую. Так и появился кролик Освальд — не совсем оригинальная идея, поскольку в то время уже были популярны мультипликационные антропоморфные животные, но гарантирующая рост популярности студии. Кролик Освальд действительно оправдал ожидания — успех был бешеным, да и то, что не касается коммерческой стороны успеха — «Счастливый кролик Освальд» был довольно серьезной и зрелой работой Диснея как аниматора: вобрав черты всех предидущих героев Диснея, Освальд стал именно таким персонажем, какого мог создать только Уолт Дисней (хотя непосредственно нарисовал персонажа Юб Айверкс).

Успех кролика Освальда имел и обратную сторону: соблазнившись перспективами, который открывал мультик, дистрибьютор Диснея обманом завладел правами на персонажа и таким образом «Walt Disney Studio» лишилась Освальда вплоть до наших дней. Уолт Дисней, со своим свойством не отчаиваться, просит своих аниматоров тайно создать нового персонажа вместо Освальда. Пробы прошли корова, конь и лягушка, но никакой из этих персонажей не понравился Диснею. В поисках подходящего животного, Юб Айверкс вспоминает, как другой аниматор — Хью Харман, нарисовал несколько мышей вокруг фотографии Диснея и начинает работать с персонажем-мышью. Так появляется мышонок Мортимер, который вскоре, по совету Лилиан Дисней, был переименован в Микки. Существует и другая версия, которая заключается в том, что Дисней нарисовал мышонка Мортимера в поезде по пути в Калифорнию, а Айверкс доделал персонажа. В защиту этой теории можно привести вполне убедительные слова Диснея о том, что на создание Микки Мауса его вдохновила ручная мышь, которая у него была во время работы в «Laugh-O-Gram Studio», а в опровержение тот факт, что Дисней боялся мышей, что ставит под сомнение всю эту историю. В любом случае, в 1928-ом году рождается Микки Маус — персонаж, который станет, пожалуй, самым популярным героем мультфильмов за всю историю кинематографа.

Юб Айверкс рисует Мортимера
Юб Айверкс рисует Микки Мауса

Поскольку подходящий персонаж был найден, уже в серии мультфильмов про кролика Освальда появляется два немых про Микки Мауса: первый назывался «Plane Crazy», а второй «The Gallopin’ Gaucho». Оба мультфильма были неудачными в плане привлечения аудитории, но, как мы знаем, это было делом времени.

«Plane Crazy» — дебют Микки Мауса, Минни Маус и коровы Кэролин, которая потом превратиться в более знакомую нам корову Кларабэлль.

Собственно, в «Plane Crazy» уже можно увидеть почти все составляющие волшебного мультипликационного элексира Диснея, который будет присущ выпускаемой продукции «Walt Disney Studio» вплоть до 70-х: юмор, специфическая анимация, постоянный эксперимент, ясность эмоций персонажей с человеческим поведением, продуманность локаций и движений, а также та, особая атмосфера ранних работ Диснея, которая стала основой для того магического мультипликационного мира, сложившегося позже. Пока только отсутствовали саундтрек (во всех мультфильмах, которые представлены выше, он был добавлен уже после 1928-ого) и некоторая «взрослость» — почти во всех мультфильмах и фильмах, выпускаемых студией Диснея со времен изобретения Микки Мауса и до кончины Уолта Диснея, персонажи курили, пили и вели себя не очень по детски (хотя подобное поведение появлялось и у более ранних персонажей, все-таки оно было более сдержанным). Оба этих элемента появляются в полноценном дебюте Микки Мауса — «Steamboat Willie», мультфильме который произвел фурор и с которого начался настоящий успех Уолта Диснея.

Именно саундтрек сыграл значительную роль в успехе мультфильма: пока многие знаменитые деятели киноискусства демонстративно отказывались от новшества в виде звукового кино (как, например, поступил Чарли Чаплин со своим шедевром «Огни большого города», хоть он и добавил в фильм музыкальное сопровождение), Дисней схватился за новую возможность и не отпускал ее всю жизнь, доказав всему миру, как с помощью звуковых эффектов и музыки, можно погрузить зрителя в фильм. Несмотря на то, что озвучка мультфильма пришлась Уолту дорого в прямом и переносном смысле, он все-же добивается своего и делает революцию в мире кинематографа — она была маленькой, но привела к большим последствиям. Эта революция заключалась в том, что Дисней озвучил фильм не путем добавления какой-то музыкальной невыразительной фоновой темы, он буквально заставил картинку звучать: в мультфильме гудят трубы на параходике; Микки Маус играет одну и ту же мелодию разными способами, то насвистывая, то извлекая звук из животных; Микки Маус и многие животные обретают голос (самого Микки Мауса и попугая озвучил сам Уолт Дисней); все движения, падения, взаимодействие предметов и животных звучат так, как звучали бы по настоящему; и все это делается синхронно и в ритм. Таким образом, Дисней впервые применил элемент, который станет опорой для всего того волшебного мира, который будет расти вместе с творческим развитием аниматора и его компании.

Дисней вспоминает, как заново создал Микки Мауса
Дисней вспоминает, как заново создал Микки Мауса

Кроме саундтрека, мультфильм больше ничем особенно от предидущих не отличался, разве что модернизированным видами Микки, Минни Маус и Пита — того самого медведя времен «Alice Comedies», который приобрел здесь свой привычный вид кота-антагониста. Однако именно саундтрек заставил мультфильм наполниться такой притягательной атмосферой, так понравившейся людям.

Таким образом, добавив саундтрек к двум первым мультфильмам про Микки и Минни Маус и, заручившись поддержкой некоего спонсора, подсобившего с оркестром для озвучки «Параходика Вилли», Дисней, с 1929-ого года стал выпускать мультфильмы с участием нового персонажа, а чуть позднее, в этом же году и серию музыкальных мультфильмов «Silly Symphonies» — сюжет и персонажи которых варьировались, в зависимости от фантазии создателей. Стоит отметить, что 1929-ый год не подарил аниматору просто новое дыхание в его творчестве: «Silly Symphonies» выпускались до 1939-ого года, а отдельные мультфильмы с участием Микки Мауса, как мы все знаем, выпускаются до сих пор. Все это в лишний раз доказывает, что «Параходик Вилли» был на самом деле параходиком в  волшебный мир Диснея.

Знаменитый «Танец Скелетов» — первый мультфильм в серии «Глупых Мелодий».

«The Skeleton Dance» не только удачно закрепил все нововведения Диснея, но и наметил одну из трех основных тематик его творчества, на которых до сих пор основаны все произведения и тематические парки его компании: погружение в этакую «черную» романтику — часть его мира, населенную призраками, злодеями, монстрами и прочими будоражищими сознание явлениями, работающими как аттракцион: своей мрачностью и таинственностью они вовсе не пугают, а наоборот привлекают людей (как мы видим, важность этого приема Дисней понял довольно рано, что в лишний раз говорит о его проницательности). Что же касается остальных двух упомянутых частей этого мира, то это: всем известная и самая узнаваемая ясная, сказочная и добрая сторона, в которой живут принцессы, принцы, лесные звери и сказочные герои, в которой стоят красивые замки, находятся волшебные страны, где все рады и счастливы; и, довольная личная сторона диснеевского творчества, заключающаяся в экспериментальных, зачастую абсурдно-психоделических, но гораздо более глубоких и интересных мультфильмах и других проектах. Стоит заметить, что при жизни Диснея его основные персонажи — Микки Маус с компанией, чаще относились именно к третьей, более личной и творчески свободной стороне творчества Диснея ежели к другим. Тоже самое можно сказать и про всю серию «Глупых Мелодий», в будущем ставшими основой экспериментального полнометражного анимационного фильма «Фантазия».

Возвращаясь к «Пляске Скелетов» осталось только добавить что Дисней здесь в лишний раз проявил свой гений, связанный с превосходным смешиванием саундтрека и картинки. Также стоило бы рассказать о самом саундтреке и произведениях вдохновивших Диснея на создание мультфильма, но об этом можно прочитать в источнике, который указан в конце статьи. Поэтому перейдем к следующему триумфу Диснея в мире мультипликации.

«Цветы и Деревья» — первый цветной мультфильм не только в истории «Walt Disney Studio», но и в истории мультипликации.

Несмотря на то, что в США буйствовала Великая депрессия, а сам Дисней в 1930-ом году лишился своего главного аниматора Юба Айверкса (Айверкс ушел из компании попытать счастья со своими личными проектами — лягушонком Флипом и вруном Вилли, но, потерпев неудачу, вернулся к Диснею в 1940-ом), без которого идеи Диснея не воплотились бы в жизнь такими, какими мы их знаем, карьера Уолта, теперь главы огромной компании с различными подразделяниями, под названием «Walt Disney Productions, Limited», шла в гору. Но Дисней был не только превосходным бизнесменом, но и отлично знал свое дело и мог держать качество своего бренда, поэтому на достигнутом Уолт останавливаться не стал. Таким образом, увидев новый цветной фильм «Кукарача», Дисней свертывает производство наполовину сделанного мультфильма «Flowers & Trees» и, несмотря на финансовые потери, решает воссоздать мультфильм в цвете с новым изобретением, под названием «Техниколор», которая в 30-х использовалась в виде камеры с цветной пленкой.

Камера, которой снимали каждый рисунок, в следствие чего он становился цветным. Кстати, бобины на камере подозрительно напоминают уши Микки Мауса
Камера, которой снимали каждый рисунок, в следствие чего он становился цветным. К слову, бобины на камере подозрительно напоминают уши Микки Мауса

Так и получился первый цветной мультфильм «Цветы и Деревья», принесший компании Диснея неоспоримый авторитет, славу, место в истории и премию «Оскар» за лучший короткометражный фильм. С этих пор вся серия «Silly Symphonies» становится цветной. Черно-белым, как ни странно, остался Микки Маус и был таковым до выпуска знаменитого мультфильма «The Band Concert» в 1935-ом году (объяснение, вероятно, заключается в том, что Дисней не хотел идти на поводу у дистрибьюторов, требующих Микки Мауса и делал акцент на «Глупые Мелодии»).

Спустя год выходит короткометражка, успех которой подвигнул Диснея задуматься о полнометражном мультфильме: «Three Little Pigs» — старая добрая сказка про трех поросят, в интерпретации Диснея получившая новое дыхание.

Собственно здесь Дисней просто действует по старинке: много юмора (чего стоят «портреты» родителей поросят в кирпичном домике), замечательный саундтрек — песенку поросят еще долго перепевали не только американские дети, но и европейские и советские (в советской версии «Нам не страшен серый волк»), прекрасная анимация, в общем все, как всегда, на высоте. Успех мультфильма был таким, что он не только принес очередной «Оскар» за лучший короткометражный мультфильм, но даже и на время сместил Микки Мауса и его друзей с вершин популярности. Кстати, возвращаясь к популярности в СССР — Дисней был один из немногих американцев, которых в Советском Союзе не только уважали, но и ставили в пример. Существует общеизвестный факт, что студия «Союзмультфильм» была создана под впечатлением от мультфильмов Диснея и поэтому советские аниматоры пытались копировать его приемы. То же самое касается и Японии — там, как ни странно, под влиянием Диснея возникло специфическое явление под названием «анимэ».

Так и продолжались дела Диснея до 1937-ого года: не ограничивая себя в художественные рамки, он создавая новых персонажей, ловко смешивая три стороны своего волшебного мира (те самые: сказку, таинственность и эксперимент) и не боясь провала — экслюзивный договор с «Техниколор» обеспечивал ему защиту от конкуренции, а с помощью цвета и синхронного звука Дисней мог не бояться идти на самые радикальные эксперименты (положение вещей, собственно, не изменилось и после 1937-ого, но тогда экспериментам, к сожалению, стали уделять гораздо меньше внимания). Таким образом, за период с 1930-ого года по 1937-ой можно выделить мультфильмы, которые стали дебютными для других основных героев Диснея, а по совместительству — приятелей Микки и Минни Маус.

Первым после парочки Маус появился пес Плуто. Его появление происходит в мультфильме «The Chain Gang» в 1930-ом году, но, посколку Плуто в этом мультфильме персонаж сугубо второстепенный, то стоит представить его полноценный дебют, произошедший в 1934-ом году, под названием «Playful Pluto».

До «Playful Pluto», Плуто хоть и был участником многих мультфильмов про Микки Мауса, однако роль ему отводилась небольшая. Имя же нового персонажа изначально было «Ровер», но в 1931-ом году, в компании Уолта Диснея посчитали, что это имя слишком распространенное и решили поменять его на «Плуто». Скорее всего, персонажа назвали в честь Плутона — одноименной карликовой планеты, но этому письменных подтверждений нет. Плуто один из самых необычных персонажей в мире Уолта Диснея: его отличительная черта в том, что он из всех антропоморфных персонажей больше всех похож на животное: Плуто не говорит, ходит на четырех лапах, ведет себя вполне-по собачьи (он, собственно, и является собакой Микки и Минни Маус), однако, он, все же, часто проявляет необычные для животного чувства и разумное поведение. Стоит обратить внимание в этом мультфильме и на Микки Мауса — за 5 лет он немного изменяется: на его руках появляются перчатки, а сам он округляется и приобретает более привычную нам форму.

В 1932-ом, вслед за Плуто, в мультфильме «Mickey’s Revue» появляется второй не менее важный персонаж — Гуфи (что примечательно — прямой перевод с английского: глупый, бестолковый). Изначально, он как и Плуто, имел другое имя (Dippy Dawg) и, в течение целого мультика, появлялся один или два раза. Его полноценный дебют (хоть и не сольный) произошел также в 1934-ом, вместе с наименее важным персонажем Кларой Клак в мультфильме «Orphan’s Benefit». Именно тогда Dippy Dawg стал Гуфи.

Гуфи — герой, безусловно выполняющий юмористическую роль в творчестве Диснея, но он, заодно, и самый трогательный и нравственно одаренный персонаж — этакий Князь Мышкин для детей: с одной стороны Гуфи все время попадает в различные комические ситуации, с другой — он всегда оптимистичен, добросовестен и всегда является примером для остальных персонажей. Что же касается мультфильма — то он примечателен тем, что здесь собраны почти все персонажи Диснея, изобретенные со времен «Steamboat Willie» — не хватает только Минни Маус, Плуто и Пита, зато присутствуют корова Кларабелль, Хорас Хорсколлар и целое море никому не знакомых маленьких мышат (подозрительно похожих на Микки Мауса). Также присутствует еще несколько несовершенного вида Дональд Дак, о котором речь пойдет в связи со следующим мультфильмом (правда, в 1941-ом году, когда «Orphan’s Benefit» делали цветным, этого Дональда Дака также заменили более современным).

«The Moving Day» — здесь Дональд Дак уже почти такой, каким мы его знаем.

Возникновение имени Дональда Дака тесно связано с крикетом: назван новый персонаж был в честь легендарного игрока Дональда Брэдмана, а двусмысленная фамилия «Duck» возникла в честь одноименного игрового термина. Поскольку выбор животного, которое будет новым товарищем в компании Микки Мауса был очевиден, то оставалось придумать ему внешний вид и характер. Дисней, принявшись за дело, задает себе вполне простой вопрос: «Утка. А что еще связано с водой?» В голову Диснею почему-то пришел служащий морского флота и, поэтому Дональд Дак стал носить форму моряка. Что же касается характера нового персонажа, то тут была чистая фантазия, к которой отнеслись с юмором: Дональд Дак не кажется героем с негативным характером и обычно он его, до поры до времени, не проявляет, но стоит чему-нибудь случиться, так персонаж сразу раздражается, начинает гневно ходить туда-сюда и ворчать, таким образом попадая в еще более комичные ситуации и еще больше раздражаясь. Таким образом Дональд Дак — это более тонкая альтернатива наивно-глуповатому Гуфи. Еще одна особенность нового персонажа заключалась в его голосе: некий Кларенс Нэш, увидев объявление от компании Уолта Диснея о поиске актеров, способных озвучивать животных, наведался в студию и сразил всех наповал своим умением имитировать утиное кряканье. С тех пор Дональд Дак имеет свой специфический голос и поэтому, когда он ворчит, разобрать что-же он говорит довольно сложно, что дает повод в лишний раз посмеяться.

Дональд Дак и Кларенс Нэш выясняют кто лучше крякает.

Возвращаясь к мультфильму, стоит сказать, что ни «The Moving Day», ни «Orphan’s Benefit» не были дебютом Дональда Дака. Дебют произошел в мультфильме «The Wise Little Hen», но тогда персонаж был еще менее похож на современного. Собственно и в «The Moving Day» он еще не совсем приобрел те черты, к которым мы привыкли, но в общем — это был уже тот самый Дональд Дак.

И вот, новые персонажи были найдены, а дела у компании Диснея шли лучше некуда: мультфильмы то и дело номинировались на различные премии и выигрывали «Оскар» один за другим, с финансовыми вопросами было все в порядке, сам Уолт Дисней занимался любимым делом, в общем все было прекрасно. Но Дисней имел редкий дар, который редко найдешь в сфере шоу-бизнеса — деньги, которые он выручал со своей продукции он стремился не унести в карманах, а вложиться в более масштабный проект. Казалось бы причем тут редкий дар, ведь в этом нет ничего необычного, но дело в том, что Уолт Дисней вкладывался не в шаблонный, проверенный, но надежный проект, Дисней, пользуясь своим могуществом, шел на довольно рискованнные шаги (стоит вспомнить историю с переделкой «Цветов и Деревьев). Поэтому Дисней, как человек талантливый и полный энтузиазма, решил идти дальше и, таким образом вступил на новый путь, который вознес его до звезд — выпуск полнометражных мультфильмов.

Как всем известно, первым полнометражным мультфильмом Уолта Диснея стала «Белоснежка и семь гномов». Почему Дисней выбрал именно этот сюжет, история умалчивает, однако, есть сведения, что на четырнадцатилетнего Диснея, работащего разносчиком газет, произвел неизгладимое впечатление немой фильм о белоснежке (судя по всему 1916-ого года — фрагмент представлен ниже) и, желание по своему интерпретировать увиденное, не покидало Уолта до 1934-ого года.

Фрагмент из фильма.

Как и было сказано, идея создать полнометражный мультфильм посещает Уолта Диснея в 1934-ом году. Однако, как и все подготовки к воплощению экспериментальных и новых идей Диснея, создание «Белоснежки и семи гномов» также не ладилось и затянулось до 1937-ого. За эти три года Дисней прошел через отговорки всех, кто был ему близок: брата, жены, аниматоров; потратил феноменальную сумму для того времени (почти 1.500.000$ !); вел дела с банком, кредиторы которого при предпоказе мультфильма реагировали весьма неопределенно, а затем с восторгом дали кредит на создание мультфильма. Что же касается художественной стороны создания проекта, то тут Дисней опять проявив свой неизмеримый творческий талант, совершил очередную революцию в мультипликации. Эта революция заключалась в достижении трехмерности мультфильма, а достигалась она следующими способами: во первых, была проведена огромная работа с движением персонажей: в мультфильме они двигаются плавно, натурально и весьма развернуто (то есть не просто вправо-влево, вверх-вниз, как в короткометражных мультфильмах про Микки Мауса и его друзей); во вторых, Диснею снова пришлось использовать новейшее чудо техники — мультиплановую камеру. Ее фокус заключался в том, что на три (а то и больше) стекла, находящихся друг над другом, клали различные фрагменты одного и того же рисунка и снимали их сверху. Таким образом, мультфильму придавалась трехмерная глубина, обволакивающую зрителя вокруг, более густые и четкие краски и улучшенная анимация в целом.

Мультиплановая камера в действии. Фотография сделана гораздо позже описываемых событий, так что тут можно заметить постаревшего Диснея.
Мультиплановая камера в действии. Фотография сделана гораздо позже описываемых событий, так что тут можно заметить Диснея в более старшем возрасте.

В третьих, аниматоры Диснея, конечно, проработали детали: те же краски, объем предметов, натуральность экшн-сцен, мимику персонажей и так далее. К слову, последним новым штрихом «Белоснежки и семи гномов» стала именно продуманность внешнего облика, характера и даже имен персонажей. Злая королева получилась очень харизматичной, а ее перевоплощение в старуху действительно выглядит зловеще; Белоснежка и принц именно такие, какие и должны были быть принц и принцесса (так удачно изобразить, в частности, Белоснежку, получилось из-за особого внимания к рисовке ее черт и зарисовке движений специально приглашенной девушки-актрисы); звери, в отличии от короткометражек про Микки Мауса выглядят и ведут себя как звери. Но больше всего постарались над гномами: мало того, что каждого гнома наделили индивидуальным характером, так им еще придумали подходящие имена и внешность: Соня все время с синяками под глазами; на Ворчуна как взглянешь, так и без слов поймешь, что персонаж со вздорным характером; Док — главный гном, самый рассудительный, но и важный, и так далее. Отдельное слово нужно замолвить и про саундтрек — здесь пели песни и танцевали все кто мог — от самой Белоснежки до маленьких птичек, подпевающих ей (причем каждый персонаж пел, танцевал и играл на музыкальных инструментах своим способом), а заключительная тема весьма сильно дополняет общую атмосферу мультфильма и слегка напоминает будущий своеобразный гимн компании Уолта Диснея, о котором чуть позже. Ну и конечно замок, появляющийся в конце, на самом деле означал начало диснеевской сказки.

Выход «Белоснежки и семи гномов» окончательно и бесповоротно сделал Диснея феноменом своего времени. Успех здесь измерялся уже не признанием, деньгами или «Оскарами», которых, благодаря «Белоснежке» стало так много, что Дисней их сам уже мог вручать выдающимся аниматорам. Успех измерялся тем, что Дисней стал сам устанавливать правила, а, по скольку, в мире мультипликации ему не было равных, то Дисней, по сути, мог делать все что хотел. Поэтому после выхода «Белоснежки» — Уолт озадачился, в первую очередь, в поднятии профессионального уровня своей компании, в которой во время работы над «Белоснежкой» появилось много новых работников. Именно поэтому, с тех пор, в компании Диснея работали только высококлассные аниматоры (это при том, что Дисней мало кого увольнял — тех аниматоров, которые «не дотягивали», Дисней специально обучал с помощью преподавателей из школы искусств), которые делали, под надзором Диснея, мультфильмы высшего качества. Для размещения новых работников, Дисней открывает «Walt Disney Studio» в Калифорнии (нынешнюю штаб-квартиру всей «Walt Disney Company») и поручает им работать новыми способами: активно использовался опыт создания «Белоснежки и семи гномов» — движения персонажей изучали с помощью настоящих актеров; то, что касалось братьев наших меньших — то здесь Дисней заставлял своих аниматоров отправляться чуть ли не в дикий лес или степь, чтобы они изучали там повадки животных. Таким образом и шла работа над дальнейшими мультфильмами.

Уолт Дисней в 1938-ом году
Уолт Дисней в 1938-ом году

Однако, несмотря на тот успех, который даже сложно описать словами, масштабные мультфильмы Диснея приобретают некоторую «диснеевскую» шаблонность. Как и говорилось раннее, именно с выходом «Белоснежки» первые два элемента волшебного мира Диснея (сказка и страх) смешиваются, иногда даже не оставляя места для второго элемента. Связано ли это с тем, что Диснею нравилось создавать сказки такого типа или это было, в некотором роде, редкое давление со стороны дистрибьюторов или же просто «проверенный» путь — неизвестно, однако по настоящему «диснеевские» — экспериментальные, глубокие и творчески-свободные мультфильмы отходят на второй план и они уже никогда не смогут завоевать такого успеха, как в свое время завоевал Микки Маус или серия «Silly Symphonies». Но, как бы там ни было, даже свои, несколько шаблонные сказочные мультфильмы Дисней делал превосходно.

Вторым и не менее важным крупным проектом «Walt Disney Productions» стал мультфильм «Пиноккио» 1940-ого года выпуска. Важным он был не потому, что с помощью него Дисней совершил еще какое-то достижение, важным он стал из-за одной единственной песни под названием «When You Wish Upon a Star» — ставшей гимном волшебного мира, созданного Уолтом Диснеем (перевод достаточно вольный):

 

Желание загадав с звездой явившейся во тьме
Неважно кто ты и куда свой путь ты держишь
Заставишь все мечты, что в сердце ты своем надеждой тешишь
Со звездным светом, воплотясь, прийти к тебе

Если сердцем ты ведом в волшебный мир к твоей мечте
Свой гладкий путь ты к утренней заре найдешь
И, как в душе мечтателя другого, навеки чистоту в своей ты обретешь
Когда желание загадаешь, с звездой явившейся во тьме

Судьба добра — она приносит тем, кто любит
Спокойствие и радость, надежду подарив в сияющем свечении,
Что день наступит, и мечтаний исполнение
Над всей Землей оркестром счастья вдруг протрубит

Как будто ласточка, внезапно с неба прилетев
Судьба придет и уведет тебя в далекие края
Где увидишь сотни мест прекрасных, что чудеса таят
Когда желание загадаешь, с звездой явившейся во тьме

 

Эта песня стала не только самой исполняемой мелодией в проектах компании Уолта Диснея, но и произвела целый фурор в музыкальном мире вообще: песню, написанную Ли Харлайном и Недом Вашингтоном, исполняли различные великие музыканты: от солиста группы «Kiss» Джина Симмонса, до Луи Армстронга.

«When You Wish Upon a Star» в исполнении Луи Армстронга (само видео — просто видеоряд)

Таким образом, с этого момента, Дисней, пожалуй достигает пика раскрытия своего творческого потенциала — ведь его мультфильмы приобретают не просто чудесный характер дарованный техническим прогрессом, они наполняются той «диснеевской» душой, не во всю мощь раскрывавшейся в предидущих мультфильмах — душой, которая вселяясь в детей заставляет их мечтать о неведомых мирах далеко за звездами на небе.

Счастливый Дисней в 1941-ом году
Счастливый Дисней в 1941-ом году

Хоть с помощью «Пиноккио» Дисней и не достиг новых высот, все же мультфильм смотрится гораздо более зрелым и технически современным, чем немного «сырая» «Белоснежка». Поэтому перспективам конечно было место быть и Дисней продолжал работать над качеством производимой продукции. Следующим из линейки обычных мультфильмов для детей, был Дамбо — мультфильм сюжетом напоминающий «Гадкого утенка», только со слоном вместо лебедя и немного с другим финалом: маленький неудачник Дамбо не превращается в прекрасного и всеми уважаемого слона, а просто раскрывает свой потенциал и доказывает свою природную одаренность. Сам мультфильм также мало что привнес в творчество Диснея, однако все же одна интересная сцена из мультфильма имеется: сюжет, где Дамбо напивается пуншем и ему снится психоделический сон. В этой сцене чувствуется бескомпромиссность Диснея и его желание экспериментировать даже в таких «ровных» мультфильмах.

Такие элементы в мультфильмах Диснея были крайне интересными, но к сожалению, в дальнейшем, они напрочь пропадают, сменившись обычными песнями и танцами. Следующий «Бемби» уже абсолютно лишен таких сцен, но он отличается другим: во первых тем, что, пожалуй из всех мультфильмов компании Уолта Диснея вплоть до 60-х, этот меньше всего похож на «диснеевский»: «Бэмби» сильно отличается от других мультфильмов как и по атмосфере, так и по наполнению. Во вторых «Бемби» создавался свойственными Диснею необычными способами:  Дисней очень старался сделать свои мультфильмы максимально реальными если не всегда в плане сюжета, то в плане анатомии и реалистичности движений. Поэтому звери, населяющие лес из мультфильма «Бэмби» были срисованы с настоящих, а их движения были максимально точно скопированы с реальных животных.

Уолт Дисней срисовывает образ Бэмби с настоящих оленей
Уолт Дисней срисовывает образ Бэмби с настоящих оленей

Первые три мультфильма Диснея увенчались огромным успехом и, с этого момента, Дисней твердо встает на ноги и ему уже будет не суждено снова претерпеть провал. Поэтому, с 1940-х года дела Диснея так и продолжили идти: один за другим выпускались короткометражные мультфильмы, (правда, уже без «Глупых Мелодий» — пришла пора сплошному Микки Маусу с компанией, что характерно), чуть реже выпускались полнометражные мультфильмы и чуть чаще, с 1940-ого года стали выпускаться гибриды — то есть настоящие фильмы со вставленной анимацией. Таким образом Дисней возвращается к опыту приобретенному еще с «Alice Comedies».

Стоит отметить, что при жизни Диснея его компания выпустила только 12 полноценных полнометражных мультфильмов и только 3 из них были о замках, принцах и принцессах: «Белоснежка и семь гномов», «Золушка» и «Спящая Красавица». Этот факт может служить аргументом в пользу развинчивания мифа о том, что уже при Диснее было выпущено сотни мультфильмов и большинство из них были о принцессах. Этот миф, возможно, возник во время резкого роста популярности мультфильмов «Walt Disney Company» в 90-х после долгого затишья 70-х — 80-х — тогда вышли такие шедевры, как «Король Лев», «Мулан», «Русалочка», «Покахонтас», «Алладин» и так далее. Вместе с выходом этих мультфильмов значительно увеличилось и число принцесс, что и объясняет такое общественное мнение о продукции «Walt Disney Company». Как бы там ни было, немногочисленные мультфильмы, которые были созданы еще самим Уолтом Диснеем не только обрели популярность на весь мир, но и сильно повлияли на искусство, продолжая влиять на него до сих пор.

Клип талантливого австралийского музыканта Pogo «The Trouble» — прекрасный пример влияния Диснея на последующие поколения людей, связанных с искусством (правда тут присутствуют фрагменты фильмов и мультфильмов выпущенных уже после ухода Диснея).

Но вернемся к тому Уолту Диснею, у которого дела уже не шли в гору, а устоялись на вершине. Дело в том, что Дисней, достигнув финансового благополучия, также и достиг вершины раскрытия своего творческого потенциала, хоть, как потом оказалось, не навсегда, но на достаточное время, чтобы начать искать новые идеи, а в случае неудачи, ориентироваться на шаблоны, которые сам он и создал. Таким образом, Дисней приобрел стабильность в общественном признании и в финансовом положении, но потерял то, что ему было дорого — постоянное нахождение самого себя в новых экспериментах. Нельзя сказать, что Дисней не пытался экспериментировать (многочисленные гибриды, попытки сделать полнометражный мультфильм из нескольких историй как в «Сыграй мою музыку» или «Приключения Икабода и мистера Тоада», да и постоянное совершенствование обычных мультфильмов бывало вполне экспериментальным, как, например, в «Алисе в стране чудес»), но это уже были либо несвежие идеи, либо идеи не представляющие из себя что-то совершенно радикальное. Поэтому Дисней решает, уже перейдя от мультфильмам к гибридам, отставить анимационную продукцию на второй план и начать снимать полноценные художественные фильмы. Таким образом, в 1950-ом году выходит первый художественный фильм компании Уолта Диснея, под названием «Остров Сокровищ», по мотивам романа Роберта Льюиса Стивенсона.

Трейлер к фильму

С этих пор, количество выпущенных игровых фильмов сильно превышает количество выпускаемых мультфильмов и даже гибридов: уже в 50-х они создают резкий контраст с остальной продукцией, а в 60-х компания Уолта Диснея выпускала по 5 художественных фильмов в год.

Но вернемся в 50-е: Дисней уже человек зрелый, состоявшийся, потерявший возможность творчески развиваться из-за того, что и так уже многое достигнуто, но от этого всего не менее полный энтузиазма. Именно благодаря нему Дисней частично находит выход из своего творческого застоя: любовь к животным, являвшаяся качеством Уолта с самого детства и проявившаяся при работе над ранними полнометражными мультфильмами дала о себе знать снова и пришла в голову Диснею, на этот раз, в виде идеи создать ряд документальных фильмов о природе. Так, с 1953-ого по 1959-ый команда Диснея сняла 7 документальных фильмов, объединенных в серию «True Life Adventures».

Фрагмент одного из фильмов

Конечно эти фильмы получились замечательными и повлявшими не только на дальнейшие проекты компании, но и на обычные документальные программы про природу, однако, таким способом Дисней смог разве что только отвести душу, но никак не повторить свой успех как новатора в мире кинематографа. Но, как это обычно бывает, Диснею нужен был небольшой отдых и стабильность перед тем, как совершить свой последний и самый масштабный и романтически наполненый экспериментальный проект за всю жизнь: создать страну, где все его герои будут жить и бродить среди сказочных локаций, а любой желающий сможет прийти и пройтись вместе с ними полностью погрузившись в сказку. Так, в Анахейме, Калифорния, в 1955-ом году открывается первый «Диснейленд».

Уолт Дисней собственной персоной представляет Диснейленд таким, каким он был в 50-х, 60-х, далее начинают появляться фрагменты современного состояния парка.

Изначально парк был феноменом для того времени, но по сравнению с современным состоянием он был довольно простоват. В самом парке больше внимания уделялось не героям Диснея, а просто приключенческим романам, фильмам, сказкам: как таковых аттракционов еще не было, зато были пещеры, пароходы, поезда, люди в костюмах различных героев и, конечно, замок, который являлся входом в большой мир Диснея. Со временем, парк много раз модернизировался, а «Walt Disney Company», с течением времени, открывала еще парки и, таким образом, на сегодняшний день мы имеем 5 готовых парков и один достраивающийся. Конечно, по сравнению с тем, как выглядел калифорнийский парк в 50-х, современный «Disneyland» и 5 других парков содержат в себе несравненно больше впечатлений и развлекательных элементов: от магазинов, ресторанов и кинотеатров, до огромных аттракционов и аквапарков. К тому же, существует еще и явление под названием «Disney Cruise Line» — представляющее собой несколько больших круизных лайнеров, отправляющихся в путешествие по теплым странам американского континента. Стоит сказать, что каждый парк компании Диснея делался на высочайшем уровне, поэтому там царит неповторимая атмосфера, а все здания, аттракционы и так далее, обставлены и декорированы настолько хорошо, что действительно создается впечатление, как будто ты из одной сказки попадаешь в другую. Парки Диснея примечательны еще тем, что в них, если не каждый день, то довольно часто проходят парады, а по вечерам проходят световые шоу, сопровождающиеся салютом и, стоит сказать, что это, конечно, нужно видеть.

Шоу в токийском Диснейленде

Создание Диснейленда, к сожалению, было последним крупным делом Уолта Диснея на его земном пути.

d9c40f6f33cb3917fd25b157f8c533eb

Все мы знаем Уолта Диснея как талантливого бизнесмена, построившего огромную корпорацию. Однако, из-за длительного творчески-новаторского застоя, многие люди не знают, что за этим огромным финансовым благосостоянием стоял талантливый человек, который всегда был готов рискнуть потерять все свои деньги ради любимого дела. Поэтому, стоит отметить еще два бескомпромиссных и чисто экспериментальных проекта, которые создавались Уолтом Диснеем еще в 40-х и являлись вершиной его мастерства, как аниматора (разумеется в плане руководства, а не в буквальном смысле).

Первым проектом являлся «Destino» — мультфильм, создававшийся аниматорами Диснея вместе с Сальвадором Дали в 1945-ом — 1946-ом годах.

Дали и Дисней
Дали и Дисней в 1957-ом году

Сценарий мультфильма был основан на мифах Древней Греции и фантазии создателей: Хронос — один из первых божеств, породивший земные стихии, Эфира (небо), Хаоса (первоначальное состояние вселенной) и Эреба (мрак) и олицетворяющий собой время (его можно легко спутать с титаном Кроносом — отцом нескольких Олимпийских богов, включая Зевса; собственно, эти два персонажа в поздней древнегреческой мифологии смешиваются в одного), влюбляется в простую земную женщину по имени Далиа. Весь мультфильм, название которого переводится как «Судьба» — сюрреалистическая история любви под музыку мексиканского композитора Армандо Домингеза, заканчивающаяся ударом бейсболиста битой по мячу.

Производство мультфильма было прервано финансовыми проблемами, а затем позабыто под тонной других проектов, так и оставшись незаконченным произведением искусства до 2003-ого года: тогда племянник братьев Дисней — Рой Дисней закончил мультфильм и показал его миру.

Второй, пожалуй, самый шедевральный проект Уолта Диснея, был гибрид, под названием «Фантазия» 1940-ого года выпуска. Именно этот анимационный фильм стал воплощением таланта Уолта Диснея и его последним творчески свободным мультфильмом. К слову, единственным знакомым нам персонажем в мультфильме является Микки Маус — здесь уже такого вида, к какому мы привыкли.

Mickey
Микки Маус из «Фантазии»

«Фантазия» — это набор анимационных сюжетов, разделяемых речью Леопольда Стоковского — популярного дирижера, чей оркестр в этом мультфильме играет мелодии различных композиторов под показываемые сюжеты. Весь мультфильм можно назвать шедевром, однако, пожалуй, самая яркая его часть заключается в финальном сюжете о шабаше под симфоническую поэму Модеста Петровича Мусоргского «Ночь на лысой горе» и, произведение Франца Шуберта «Третья Песня Эллен», под которую поется молитва «Ave Maria». Леопольд Стоковский, перед показом сюжета говорит следующие слова: «Музыкально и драматически перед нами будет разыграна борьба между тьмой и светом. Лысая гора — это места сборища сатаны и его сподвижников. И вот, в Вальпургиеву ночь, злые существа соберутся вместе, чтобы восславить своего господина. Под его чарами, они будут неистово плясать до тех пор, пока наступление рассвета и первый колокольный звон не отправит дьявольскую армию обратно в ее обиталище тьмы. Затем зазвучит «Ave Maria» символизирующая триумф надежды и жизни над силами отчаяния и смерти.

https://tune.pk/video/6304766/fantasia-1982-night-on-bald-mountain

Текст основан на книге Эдгара Арнольда Михайловича «Жизнь и сказки Уолта Диснея».

Перевод речи Леопольда Стоковского частично перенят с русского перевода анимационного фильма «Фантазия» в озвучке студии «Кубик в Кубе».

3 голоса

Ваш комментарий будет первым

Добавить комментарий